Esta semana ha empezado calentita en el mundo del tebeo, con DC tomando la no exenta de polémica decisión de retirar la portada alternativa para el número 41 de Batgirl, que formaba parte de la colección de portadas que DC había decidido dedicar al Joker por sus 75 años. La portada en cuestión era esta:
Quiero dejar claro que yo no tengo nada en contra de esta portada realmente. A mi me gusta. Es dramática, es dura, y desde un punto de vista artístico es cojonuda. No comparto pues la decisión de DC de retirarla, pero aunque no la comparta y no este de acuerdo con ella, sí que la entiendo.
Para los no iniciados en los cómics hay que poner un poco esta portada en situación. En 1988 DC publicó una historia llamada The Killing Joke o La Broma Asesina como se conoció por aquí. En ella, Alan Moore, el guionista, exploraba la relación entre Batman y Joker, como el murcielago sabía que, inevitablemente, la única manera en la que aquello terminaría sería si uno de los dos moría y como no deseaba eso, así como también presentaba a un payaso más pasado de vueltas de lo habitual que decidía secuestrar y torturar al comisario Gordon. Para ello, a parte del puro secuestro, lo que hizo el Joker fue ir a buscar a casa a Barbara Gordon, hija del policía y álter ego de Batgirl. Aquí es donde la cosa se pone polémica porque a parte de pegarle un tiro y condenarla (hasta hace más bien poco) a una silla de ruedas, lo que después forzaría a Barbara a adoptar la identidad de Oráculo y liderar a las Aves de Presa (pero eso son otras historias), presuntamente la violó. Digo presuntamente porque no estoy seguro de que jamás se haya confirmado eso, aunque en 2013 salieron unos originales alternativos de las páginas en donde se sugería esa idea en donde la cosa quedaba si cabe más sospechosa. Aquí os dejo un enlace a una noticia que habla sobre dichos originales y muestra la página tal cual fue publicada.
Para muchos sin embargo nunca ha habido dudas, el Joker violó a Barbara Gordon y la dejó condenada a una silla de ruedas. El origen de Oráculo es por tanto y de lejos uno de los más perturbadores orígenes de la historia de los tebeos, algo que además era completamente opuesto al origen original de Batgirl, mucho más positivo, en donde Barbara Gordon simplemente decidía volverse superheroína porque tenía las habilidades y quería hacerlo. En cualquier caso, esta portada está homenajeando, por la vestimenta del Joker, a ese momento particular de la historia del personaje, con lo que la polémica surgida a raíz del dibujo no tiene que ver con la derrota de Barbara si no con presentar a una mujer a punto de ser violada. Ella es la victima en esta portada y no hay nada en este dibujo que deje a Batgirl en una situación positiva. Y esto no es una opinión o una interpretación, es un hecho, y es lo que ha provocado que muchas personas alcen la voz.
A este hecho, hay que añadirle que desde el número 35 de Batgirl la serie ha tomado una dirección nueva. Cambió al equipo creativo al completo y re-oriento a la superheroína y la enfocó a una audiencia más femenina y joven. Si leéis el último arco (que es bastante interesante por cierto) de "las aventuras de Barbara Gordon en la ciudad de los hipsters molones" os encontraréis con algo que mezcla Veronica Mars con Buffy y se centra mucho más en las relaciones de Batgirl con sus amigas/ligues etc de lo que otras series del género se centran. Esto también es un hecho, no es una opinión o que yo crea o yo piense que DC está orientando la serie a eso. No. Es lo que están haciendo.
Así que repasándolo todo tenemos una portada en la que la heroína del cómic es la victima y se homenajea a los momentos previos a que sea (presuntamente) atacada sexualmente sin presentar nada positivo o que la haga parecer una mujer fuerte, que pertenece a una colección cuyo público es (o al menos es lo que busca) a la mujer de entre 13 y 20 años. Y eso que ni siquiera se me ha ocurrido compararlas con el resto de portadas homenaje al Joker como si han hecho en este sitio.
Insisto, a nivel personal, no creo que haya nada intrínsecamente malvado en la portada, de hecho creo que es bueno perturbar a la gente de vez en cuando y si la decisión hubiese sido mía, si yo fuese quien tenía que decidir si esto salía publicado o no, obviamente lo hubiese publicado. Es el mismo caso que con el final de The Amazing Spider-Man 2 y la muerte de Gwen Stacy, estoy a favor de que, de vez en cuando, las cosas sean más duras, perturbadoras y negativas, sobre todo si van orientadas al público joven. Pero más allá de lo que a mi me parezca o me deje de parecer, entiendo la decisión. No solo a nivel comercial de retirarla. No creo que esté haciendo apología de nada, y no creo que herir sensibilidades sea algo malo, pero esta es una portada para un cómic que debería inspirar a las niñas y mujeres jovenes y es una portada en la que la mujer está siendo la victima y nada más.
Hay un cliché en la cultura pop, uno de los negativos, como la dama en apuros o la alternativilla interesante llamado la mujer en la nevera. Esté cliché se originó en un número de la colección de Green Lantern cuando Kyle Rayner, el Linterna Verde que la protagonizaba entonces, volvió a su casa para encontrarse a su novia descuartizada en la nevera. Básicamente los que hablan del síndrome de la mujer en la nevera lo describen como "el uso de la muerte o la lesión de un personaje de cómic femenino, como un recurso argumental en una historia protagonizada por un hombre". Es un cliché común, y más en los cómics, y lo que le pasa a Barbara Gordon en La Broma Asesina no deja de ser eso.
¿Está mal? No. No creo que esté mal. Y no me parece bien retirarlo. Pero entiendo que hay que tener en cuenta todas las opiniones y los hechos. Y los hechos son los que he intentado mostrar aquí. A mi no me parece que esos hechos tengan suficiente importancia como para andar censurando nada y estoy completamente a favor de la portada, pero entiendo la lógica detrás (y la comparta o no me parece mal tampoco) de la decisión que ha tomado DC con respecto a la portada.
EDITADO: Me entero ahora (manda cojones también teniendo en cuenta el tono de mi entrada) que Rafael Albuquerque, autor de la portada, y DC comics decidieron retirar la portada en solidaridad por aquellas personas que habían protestado contra la misma y habían recibido amenazas por ello. Vaya tela. Ahí si ya entramos en otras movidas y ahí ya sí estoy de acuerdo con la decisión de DC. Aquítodo más explicado
La última película de Borja Cobeaga, de cara al público y a pesar de su distribución minoritaria, se enfrenta a dos problemas fundamentales que ni siquiera es culpa del director Donostiarra, y es que la cinta se está vendiendo, primero como comedia y después como una comedia sobre las negociaciones que mantuvo el Partido Socialista con la banda terrorista ETA durante el llamado Proceso de paz. Personalmente creo que no es ni una cosa ni la otra, o, más bien (porque sí, de acuerdo, yo también la llamaría comedia, y la verdad, sí habla de dichas negociaciones) esos no son los aspectos más destacados de la película, y me parecen aspectos que pueden tirar para atrás al público.
Para empezar, aquellos que vayan esperando la nueva comedia del guionista de Ocho Apellidos Vascos, y busquen encontrarse con algo en la línea de sus anteriores trabajos, Pagafantas y No Controles, van a salir decepcionados. Negociadores una comedia triste. No es una comedia de carcajada y gag. En esta cinta no se busca el chiste o el humor fácil, la gracia surge de presentar situaciones sumamente ridículas que les ocurren a personajes relativamente tristes. Tiene más de los cortos de Cobeaga La primera vez y sobre todo Eramos Pocos que de sus dos películas anteriores. Manu Aranguren (genialmente interpretado por el relativamente infravalorado Ramón Barea), el protagonista de la película, no es ningún héroe. Es un tipo solitario y sencillo, que se pelea con la tecnología más básica, que no sabe idiomas, que va desaliñado y no se sabe hacer el nudo de la corbata. Y sus motivaciones no son (obviamente sí pero no son las principales) acabar con la violencia si no con el conflicto. Acabar con eso que nos lleva dividiendo a los que vivimos en el País Vasco (perdón, Euskadi, no vayamos ahora a tenerla por la terminología) desde hace 40 años. Es un buen tipo lleno de buenas intenciones, quizás no el más indicado para el trabajo para muchos, pero sin duda el tipo que se necesita ahí.
Durante la primera parte, que dura hasta la segunda negociación, Cobeaga prácticamente evita entrar en temas políticos. Obviamente estos están ahí, no se puede evitar por completo la política cuando es de lo que se está hablando, pero lejos de centrarse en lo que se dice en la negociación se centra en el conflicto personal entre los dos representantes de ambos bandos. No se nos presenta a los otros como unos monstruos sin corazón, nuestro primer contacto con ellos, y el contacto que tenemos durante más de media película, es la de un tipo, que, en otras circunstancias, sin bandos ni odios ni muerte ni nada, sería un tipo con el que igual hasta nos apetecía tomar una cerveza. Y eso es bueno. Buscar al humano dentro del etarra me parece valiente y lo entendí como una parte del mensaje principal que inunda toda la cinta, un mensaje conciliador y positivo que, como digo, se centra en el aspecto más fratricida del problema.
Toda la primera parte es puro Cobeaga, sobre todo la secuencia que ocurre en Domingo. Si estáis familiarizados con el cine del Donostiarra esos dos momentos, el de los tres en el coche y el de los tres derrotados en el bar del Hotel, sabréis que son puro cine de este director. Es su seña de identidad, situaciones absurdas para personajes atípicos y relativamente tristes. No se regodea (tampoco es que esa secuencia invite a ello, no tanto como otras que hay en la película al menos -como la de salir a correr o la escena con la prostituta) en el patetismo de sus personajes, si no que se centra en presentarlos lo más humanamente posibles. En el fondo, mirado desde fuera, hasta el tema más serio es una cosa ridícula, porque el humano es, en el fondo, un ser ridículo. Esto es una cosa que, desde mi personal punto de vista, ha llenado siempre en mayor o menor medida el cine del director vasco. El humanismo más puro y más triste, sin ensañarse, como otras comedias tipo Los padres de ella, en ese cierto patetismo absurdo y tan humano. Quizás por su temática la que más se regodeaba en ello era Pagafantas, pero incluso en esta (o al menos así la vi yo) la película no buscaba que te rieses del personaje de Gorka Otxoa, si no que empatizases con él. Era un ridículo circunstancial, un ridículo que a muchos, en una situación parecida, nos ocurriría exactamente igual. Y en esta Negociador pasa parecido. El personaje de Barea es un pez fuera del agua, pero la película no quiere que te rías con él, si no que empatices. Uno de los mejores momentos, o al menos que más me gustaron, es el plano de los tres derrotados en el bar, porque es el momento en el que vemos que más allá del rol que representan en la negociación, simplemente son tres tíos normales, tres humanos corrientes, en una situación rara.
Y entonces empieza la segunda parte, que es la parte verdaderamente política de la película, en donde esta acelera de verdad y en donde se reservan, si no los momentos más divertidos en un sentido cómico, aunque fue en una de estas escenas el único momento en el que se escucharon un par de carcajadas en el cine en el que estaba (no diré en que momento pero si veis la película os lo podréis imaginar), si no divertidas por su intensidad. A partir de la segunda parte, que abarca el último tercio de la cinta, la cosa se pone tensa y nos metemos de lleno en esa realidad que el director ha evitado tocar los otros dos tercios. Porque por más que quiera centrarse en la parte más personal y humana, al final el conflicto vasco eran más cosas, eran unos tipos que andaban por ahí matando a gente. Cobeaga sabe esto, sabe que lo ha estado evitando, y decide meterte todo en los minutos que le quedan. Ambas partes, sin embargo, casan bien, o al menos a mi me dio esa sensación. Para lo poco que tienen que ver entre sí, en temas de ritmo y tono (pausado y esperanzador a acelerado y puramente dramático), no sentí que fuesen dos cintas diferentes si no que entraba bien en el discurso que, creo y que a mi personalmente me pareció que estaba intentando dar el director. En esta parte hay que destacar, como casi siempre, a Carlos Areces, que entra como una fuerza de la naturaleza en la cinta y está fantástico e impredecible. Cada escena en la que aparece es oro.
Al final además, tras ese acelerado torbellino dramático, se reserva una escena que cierra en más de un sentido la película y que lo hace desde el punto más sincero y esperanzador que se podía, al menos según lo que nos lleva queriendo decir toda la película. De hecho es que son la primera escena de la película y esta última los dos momentos que más me llegaron a nivel emocional y que por mínimos (se basan en un par de gestos) creo que funcionan mejor.
Negociador es una película que creo que es recomendable para todo el mundo, pero especialmente si eres vasco. El resto de habitantes de la península podrán disfrutarla también, pero creo que a nosotros, por esa manera que tiene el director de centrarse en las personas, nos toca más cerca y la vamos a entender mejor. Los actores están todos bien, Barea y Areces especialmente, y me gusta ver que Cobeaga vuelve a sus orígenes en la parte de la dirección y hace una película más mínima y más sincera, con planos más cortos y relativamente más oscuros que sus anteriores largos. Eso sí, no esperéis una comedia ni partiros de risa en plan Vaya Semanita, porque no. Esto no es eso.
Ya hablé el año pasado de lo mucho que me revienta que la gente siga justificando Arrow bajo la excusa de que como solo busca entretener y no aspira a dejar huella no es TAN mala. Arrow es horrorosa, a todos los niveles, lo siento y si algo ha conseguido esta temporada es ser aún peor. Y es una cosa que me toca tanto los cojones y me fastidia tanto (que un producto tan jodidamente horrible sea defendido por tantos idiotas) que voy a perder mucho más tiempo del que debería enseñándoos una cosa que es solo uno de los múltiples motivos por los que, desde un punto de vista de corrección cinematográfica, esta serie es una basura y a sus autores les da exactamente igual.
No, no voy a hablar de lo absurda que está siendo esta temporada y de como cada giro de guión tiene menos sentido y está menos justificado que el anterior (los guionistas se han acorralado tanto que la única manera que tienen de seguir con el nivel de absurdo es hacer que Oliver diga "Esto es así por que lo digo yo" y Diggle le conteste "sí tío, creo que tienes razón") porque eso, al final, es lo de menos. En serio, me da igual que esta serie sea estúpida como la que más porque, y ahí si os doy la razón, es un procedimental superheróico de una cadena de poco nivel creativo en general, así que no voy a pedir argumentos cerrados y pulidos de alto standing ni nada, pero lo que si pido es que al menos los directores/montadores/guionistas y en general la gente que se encarga de contar lo que pasa en pantalla, por absurdo que sea, tengan un mínimo de coherencia y nivel narrativo. No es pedir mucho, quiero decir... es lo mínimo. Es algo que pediría hasta a un corto amateur. Y a no ser que seas un producto más artístico, que no sigue unas pautas narrativas claras y vayas a saco con eso (cosa que esta serie no es, es de todo menos experimental) pues tienes que respetar ciertas normas que Arrow se pasa continuamente por el pito del sereno.
Es imposible adivinar cuanto tiempo pasa en cada episodio de Arrow. La serie se esfuerza en hacer que no notes esto y te de igual a base de giros de guión y conversaciones de una profundidad rocambolesca al más puro estilo culebrón barato, pero, sinceramente, es imposible adivinar cuanto tiempo pasa entre episodio y episodio. Starling City es una ciudad en la que siempre es de noche y en la que saber las distancias que hay entre los sitios en los que están es imposible. Se supone que es una gran ciudad pero siempre da la sensación que todo está a cinco minutos de distancia. Pero bueno, para explicar esto mejor (aunque no es, ni de coña, el ejemplo más claro -ha habido episodios mucho peores en ese aspecto) voy a perder más tiempo del que debería y voy a analizar en profundidad la estructura de su último episodio, Nanda Parbat:
"Nanda Parbat" abre con Nyssa hablando con su padre en la homónima ciudad, base secreta de la Liga de Asesinos. De esta ciudad (esto es importante) sabemos pocas cosas, básicamente que su localización es secreta y que está perdida en algún punto remoto de Asia. Es importante esto, parece que no, pero luego esto va a ser importante.
Corte y pasamos a la Flecha-Cueva, en donde Merlin, Oliver y Thea entrenan para pelear contra Ras'Al Gul (porque como no estaban haciendo suficientes esfuerzos para que Arrow sea el Batman de la tele había que meter a Ras'Al Gul -vale, ya paro no iba a hablar de la historia). Esta escena termina cuando Thea se va a ducharse después de un momento incomodo entre Laurel y ella, porque la hermana del protagonista aprendió la semana pasada que era ella la asesina de la Canario Negro original.
Un par de cortes después volvemos al club y a Thea, y a los problemas. Roy va a consolarla ya intentar convencerla de que no se sienta culpable porque la culpa de la muerte de Sarah no es suya. Aquí es importante señalar que hemos visto otros momentos el club de día y por la luz SABEMOS que no es de día,
Pero por si acaso en la siguiente escena, que transcurre en la oficina de Ray Palmer, para ya terminar de dejarlo claro, nos meten una imagen del exterior. Es de noche. Bien, perfecto, estamos ubicados ya. Esta escena luego también será importante por la conversación que mantienen Brandon Routh y Felicity en donde ella le dice que lleva una semana encerrado en casa y hablan dan a entender que lleva como cinco días despierto y empieza a ser un peligro para si mismo. O sea, hasta ahora tenemos a Nyssa y su padre hablando en Asia, en el mismo día (nada ha indicado que no lo sea) Oliver y Thea entrenando y esa noche Felicity preocupada porque Palmer lleva días sin dormir y está a punto de matarse. No sabemos cuanto ha pasado en todo ese tiempo porque la serie no se ha ocupado de mostrárnoslo, por lo que a nosotros respecta, entre el entrenamiento y esta ultima escena podría haber pasado una hora. Nadie ha hecho esfuerzos por hacernos creer lo contrario.
En fin. Siguiente escena, Laurel en su oficina hablando con Thea sobre la muerte de Sarah. Sigue siendo de noche. La oficina de Laurel no sabemos donde está. Por los edificios intuimos que cerca del centro y si no recuerdo mal la discoteca está un poco en el extrarradio (asumo esto porque está en un almacén, los centros de las ciudades no suelen tener almacenes de fabricación creo). Algo de tiempo ha tenido que pasar, por huevos, pero sigue pudiendo ser una hora. Lo único que sabemos es que Laurel estaba en el club y ahora está en la oficina pero no hay ningún indicativo de cuanto tiempo lleva ahí ni nada.
Siguiente escena, Laurel va al club a hablar con Oliver. Aquí sabemos que algo de tiempo ha tenido que pasar porque Laurel lleva otra ropa. Yo me he dado cuenta porque he ido parando escena a escena, peor no ha habido ninguna transición, ni ningún indicativo que la noche haya pasado y esta conversación ocurra a la mañana siguiente. Hemos cortado de ella y Thea hablando en la oficina a esto sin ninguna transición ni un indicativo ni nada. Y hemos visto, por las escenas de exteriores de archivo (esas de los edificios) que en esta serie saben indicar posición y hora del día con imágenes, aquí simplemente no quieren hacerlo y tu eres el que, una vez más, tienes que asumir que está pasando tiempo entre un momento y otro. Y el único indicativo que tienes es un cambio de ropa bastante sutil teniendo en cuenta que estamos llegando a la mitad del episodio y ha habido como cinco cambios de escenario ya.
Pasamos a la siguiente conversación, Oliver llega a su casa. Thea (otra vez, hay un cambio de ropa pero se puede asumir que es un pijama o ropa "de estar en casa" -va en chándal) y él hablan sobre lo que acaba de pasar Y ES DE NOCHE.
Corte, Laurel intenta matar a Merlin en un callejón. De nuevo, es de noche. Al final no lo hace porque aparece Nyssa y unos asesinos de la liga que atrapan al villano y se lo llevan. Nyssa, sí. Nyssa la que estaba en Asia al principio de este episodio. EN PUTO ASIA. Por cierto, luego se explica que Thea pudo ponerse en contacto con ellos porque "estaban en la ciudad". Insisto, Nyssa estaba en otro continente cuando este episodio ha empezado y no ha habido ningún indicativo de que esté pasando más tiempo entre escena y escena más allá de un ligero cambio de ropa en los protagonistas (Oliver se ha duchado y se ha puesto una camisa, Diggle se ha cambiado el polo por una camisa y Roy lleva una camisa de otro color), ligero cambio de ropa que he notado porque estoy parando este episodio escena a escena.
De todos modos... vale, de acuerdo, bien, el cambio de ropa es sutil pero puede indicar que ha pasado otro día. No tienen que mostrarme el amanecer una escena de día para que mi cerebro suma dos y dos y entienda que todo este episodio ha pasado en dos días y no en la misma noche, tenéis razón. O la tendríais si cuatro o cinco escenas después no volviésemos al apartamento de Ray Palmer.
Felicity está súper preocupada por Palmer, pero ha esperado un día entero (y prácticamente toda la noche) para bloquearle el acceso al ordenador con la idea de forzarle a parar de trabajar porque, recordemos, lleva días sin dormir y en la anterior escena estaba tan cansado que casi la lía parda y se mata. O bien Felicity es la peor amiga/amante del mundo y ha dejado casi un día entero sin supervisión a un tipo que es, evidentemente un peligro para si mismo, o bien, como dicta el sentido común (pero no los cambios de vestuario) esto ha tenido que pasar pocas horas después de su primera conversación, o eso o Felicity es aún peor ser humano de lo que pensábamos.
Dos escenas después además Oliver y Thea se reúnen en el club una última vez. Ambos se han vuelto a cambiar de ropa (después del par de escenas con su uniforme Oliver llevaba otra camisa y Thea se ha cambiado de nuevo desde su conversación con su hermano en la casa). Podríais decir que es que es "la mañana siguiente" pero nada más salir del club la oscuridad de la noche ya indica que no.
Cambio de escenario y vamos a Nanda Parbat de nuevo en donde ES DE NOCHE a pesar de que se supone que está en el Tibet. Podríais decir, de nuevo, que es que claro, se ha hecho de noche durante el viaje hasta allí (no debería, pero vale, podéis decir eso) pero no, porque...
... El siguiente plano, de Felicity en casa de Ray Palmer mirando por la ventana viendo como por fin empieza a amanecer en Starling City ya deja claro que no. Por cierto, esto de que se intuya que está amaneciendo deja claro que el tiempo SÍ pasa en Starling City y que la gente que hace esta serie es consciente de que hay días y hay noches (ahora que lo pienso, puede ser el amanecer o puede ser contaminación lumínica).
Boom, cambio de escenario, Oliver llega a Nanda Parbat, es de noche de nuevo. Vale, de acuerdo, podría ser la noche siguiente. Ni él ni Diggle tienen ni puta idea de donde está la ciudad con lo que les puede haber costado más de un día llegar a ella...
...Pero es que cortamos, pasamos el flashback, volvemos a Starling y Laurel, CON LA MISMA ROPA CON LA QUE HA HABLADO CON OLIVER SOBRE COMO LE HA MENTIDO SOBRE SARAH (¿hace cuanto ha pasado eso?) está hablando con Nyssa en la Arrow-Cueva. Como diría Jordi Hurtado:
Nuestros héroes siguen asaltando la fortaleza Nanda Parbat y son capturados y noqueados. Despiertan en una celda y aún no ha amanecido. Empiezo a pensar que Nanda Parbat es una fortaleza del mal tan clásica que está ubicada en un punto del planeta en el que siempre hay unas nubes negras cubriendo el sol sobre ella. En el Mordor del planeta tierra. Es la única explicación posible, o eso, o la sede de la Liga de Asesinos, a pesar de los viajes de los que ha hablado Merlin continuamente alrededor de Asia, está a cinco minutos en coche de Starling City.
Por si quedaba alguna duda de que todo esto esta ocurriendo la misma noche, en el siguiente corte vemos a Roy y Thea hacer una visita a la familia del poli al que mató Roy. Ambos llevan la misma ropa que antes. Por cierto, no hay ningún indicativo de que esté amaneciendo ya, al parecer lo que habíamos visto desde la ventana del apartamento de Brandon Routh era un espejismo.
Hablando de Brandon Routh, este se despierta, termina su traje de Iron Man y sale volando después de un polvo reparador (y digo polvo y no sueño porque sigue siendo de noche fuera).
En fin... luego pasan un par de cosas más pero dan exactamente igual, lo que quería indicar ya ha quedado claro.
La cosa es que no creo que sea culpa de los guionistas. Creo que si ordenas cronológicamente este capítulo todo tiene sentido y ocurre en tres días diferentes, pero en montaje el director dio visto bueno a una versión supuestamente más dinámica de la historia que no tiene ningún puto sentido. O eso o ninguno de los implicados sabe absolutamente nada de concepciones narrativas básicas como el tiempo y el espacio. Contado como está contado da la sensación de que Nanda Parbat no está en el Tibet (según los cómics al parecer se supone que está en el Tibet) si no a veinte minutos de Starling City y nada, absolutamente nada, indica que esto no ocurra todo en la misma noche, más allá de que el sentido común nos diga que no puede ocurrir todo en la misma noche. Los cambios de vestuario tienen sentido como indicativo temporal si se respeta algún tipo de tiempo. Si no parecen meras excusas para que tus atractivos protagonistas paseen diferentes modelitos.
Y esto que he hecho con este episodio se puede hacer con cualquiera y a veces es todavía más loco. O sea... más allá de lo absurdo de las situaciones, o de los diálogos con ese dramatismo impostado o esas interpretaciones pasadísimas de vueltas dignas de un culebrón, el problema de base que tiene Arrow es que desde un punto de vista puramente cinematográfico/narrativo o lo que sea es horrible. Y no digo siquiera que todo deba seguir una estructura lineal, joder, hay mil ejemplos de películas que no siguen una estructura lineal que funcionan, pero si te vas a marcar un Pulp Fiction tienes que dejar claro al espectador cuando está ocurriendo todo esto. En Pulp Fiction, aunque la narrativa es medio caótica, personajes aparecen y desaparecen y hasta escenas terminan donde empezaban escenas posteriores de manera que tu cerebro, a pesar del batiburrillo de historias, puede ordenar cronológicamente lo que está pasando.
Aquí no hay nada de eso. Aquí hay gente a la que, o bien se la suda lo que está haciendo o bien no tiene ni puta idea de hacer su trabajo, y cualquiera de las dos cosas me parece horrible.
Ahora, y muy legítimamente, me preguntaréis "¿Y por qué sigues viendo la serie si la odias tanto?" Porque es entretenida. Eso no lo voy a negar, o sea, es una mierda como un piano, pero son cuarenta minutos semanales y tampoco es que vea otras series ahora mismo. Además, soy un friki de los tebeos y todo ese rollo de combinar series y hacer un microcosmos televisivo me gusta y siendo Flash una serie que no quiero dejar porque sí me parece medianamente decente, me parece como mal quedarme a medias con la experiencia solo porque esta sea horrible. O sea, si hubiese veinte series de este microcosmos decero en televisión... no la vería. Pero siendo dos... pues sí.
Y insisto, porque soy un puto fan de los cómics de superhéroes de mierda. Y los putos fans de mierda no pensamos racionalmente nunca.
Quiero empezar una mini-sección nueva para hablar de esas secuencias de cine que me parecen maravillosamente geniales o que me han impactado de sobremanera por el motivo que sea. Y no me parece que exista mejor manera de empezar esta mini-sección que hablando de mi secuencia favorita de una de mis diez películas favoritas de todos los tiempos, la secuencia previa al combate final de Rocky.
Hay que ponerse un poco en el contexto de la película. Lejos de ser una cinta deportiva, Rocky es la historia de superación personal definitiva. La oportunidad que se le otorga al protagonista no es la oportunidad de demostrar que es el mejor, sino que es la excusa para que los perdedores que protagonizan la trama puedan hacer algo importante por primera vez en sus vidas. Es gracias a esta oportunidad que Rocky encuentra valor y confianza suficiente para pedir a Adrian que salga con él y es gracias a salir con él que la tímida e infravalorada Adrian consigue confianza en sí misma. Al final Rocky es la primera persona que la ve como alguien genial y buena y la trata como si importase. También es la oportunidad de Mickey, un anciano que nunca ha llegado a nada, de hacer algo realmente importante, ser el manager de un boxeador que compite por el título de los pesos pesados es lo más cercano a sus sueños a lo que va a llegar. Y luego está Rocky. Rocky es el mayor perdedor de todos, alguien atrapado en una vida que no le gusta por una serie de malas decisiones que ha ido tomando. Alguien que ha dejado que la gente le convenza de que no vale para absolutamente nada, que es un vago y un mierda, y que se ha dejado arrastrar por la vida todos estos años. Trabaja para un gangster de tercera y pelea en combates en los peores tugurios de la ciudad por una miseria porque no cree que valga para nada más. Su sentido del humor y su manera de comportarse como si todo le diese igual es una respuesta a eso, la gente cree que la vida le da igual así que él actúa en consecuencia. Rocky es el que más tiene que ganar de su combate con Apollo porque es la primera vez que tiene la oportunidad de demostrarse a sí mismo que la gente está equivocada.
El caso es que después de todo el entrenamiento, la cinta llega a la noche antes del combate, y aquí es donde la película decide pasar de una historia de superación personal a LA historia de superación personal. Esta es la secuencia que resume toda la trama de la película y lo hace en dos breves diálogos:
(Ya siento no encontrarla en castellano o subtitulada)
Rocky está nervioso por el combate y no puede dormir así que va al estadio y se fija que en el dibujo que le han hecho su calzón está del color equivocado. Es rojo con una franja blanca en lugar de ser blanco con una franja roja como el que él lleva. Aparece el promotor y se lo dice a lo que este contesta:
"Bueno, da igual ¿no? Estoy seguro de que nos darás un gran espectáculo".
Ahí es cuando el personaje entiende todo. Donde el personaje entiende que esa oportunidad que le han dado, la de competir por el título de los pesos pesados, es una farsa. Un circo para promocionar a Apollo. Ahí se da cuenta de que él no es más que el payaso de Creed y entiende que tiene que dejar de mentirse a sí mismo porque no puede ganar.
Es muy valiente que una película como esta decida tomar esta dirección. La sincera. Más allá de lo absurdo de su premisa, al menos no intenta colarte que alguien con la preparación de Rocky pueda ganar a alguien como Apollo (que sería lo que cualquier otra historia -y eso incluye a todas las secuelas de esta cinta- hubiese hecho). No. Esta película no. En esta película el protagonista es plenamente consciente que no puede ganar, y eso es lo más importante de todo. Cuando Rocky llega a casa y se sienta en la cama ya ha decidido que no va a ganar pero va a aguantar todos los asaltos porque nadie le ha aguantado el combate entero a Creed. Y en esa conversación está la frase más importante de la película:
"Vamos, Adrian, es cierto. No soy nadie. Pero eso tampoco importa ¿sabes? Porque estaba pensando... en realidad da igual si pierdo la pelea. Da exactamente igual si este tío me abre la cabeza. Porque lo único que quiero hacer es aguantar el combate. Nadie le ha aguantado un combate a Creed, y si puedo hacerlo, mira, si suena la campana y sigo en pie, sabré por primera vez en mi vida, sabes, que no era solo otro tirado del barrio".
Esa es la clave y es el motivo por el que tanto esta escena como toda la película me son tan geniales y por lo que cuanto más tiempo pasa, más ignoro que esto tiene cinco secuelas y finjo que ninguna de ellas existe. Porque al final, aunque Rocky pierda el combate... gana. Al final su historia termina ahí. Cuando Apollo le grita que "no habrá revancha" y él contesta que no la necesita lo dice en serio, porque aunque el combate se lo den a Creed, Balboa sabe que ha ganado, sabe que ha triunfado, ha conseguido hacerlo. Y lo ha hecho para sí mismo, no para los demás. No llega al combate queriendo demostrar a los de más que puede hacer algo si no queriendo probarse a sí mismo que puede hacerlo. Su conflicto es interno y su superación es personal. Y no necesita demostrar que es el mejor para sentirse bien consigo mismo, simplemente necesita demostrar que puede aguantar.
Toda la película está resumida en dos frases y (y esto es lo que lo hace aún más genial) una interpretación acojonante por parte de Sylvester Stallone. Por parte de John Rambo. Del jodido COBRA.
No sé, es muy probable que toda esta secuencia no sea tan importante realmente y que lo que pasa es que esta película me encanta. Pero para mí este es uno de mis diez momentos cinematográficos favoritos. Para mí esto es cine en estado puro. La conversación en el estadio es perfecta a nivel de guión e interpretación y la dirección y la elección de planos la terminan de redondear, con ese contrapicado cuando miramos al promotor y la sombra de Apollo sobre Rocky. La conversación con Adrian en la cama tampoco se queda corta. A pesar de lo sencillo de la escena es sincera y sentimental sin caer en la moñería. Canela de la más fina esta secuencia, de verdad.
